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电影是否需要“太真实”?

饭团观影 2018-02-22 17:56:59
电影是否需要“太真实”?
        相信最近很多人的朋友圈都被一部影片刷爆了——李安的新片《比利·林恩的中场战事》。相比之前的口碑爆棚,如今观看完点映后的观众评价却呈现出两极化趋势。争论主要围绕着一个话题展开:影片是否过于“真实”?

 3D、4K,120帧

        目前技术所能做到的最高的帧率,较之于以往电影几倍的清晰度。尖端技术最大限度的接近人眼看到的效果,让观众体验到从未有过的视觉体验。相比以前电影2D、24帧的摄制格式,这部影片在视觉方面达到了惊为天人的效果。简单来说,真实的就像看一场真人秀。

然而,就是这个真实,在成为影片最大的亮点的同时,也成为了它被争议最多的一个问题.


它太真了,反而削弱了电影本身的情感力量。


        我们知道,李安从来都不是像卡梅隆一样的技术狂人,他擅长的是通过精妙的情节制造,赋予一个故事新的灵魂,从而来表达人物内心最细腻微妙的情感,给观众带来情感上的冲击。然而,在这部影片中,技术似乎有些喧宾夺主的味道。清晰的影像、过分的真实使得我们的注意力被分散。视觉上的冲击也许能够让我们更好的投入到拍摄现场的气氛中,却也可能会造成我们对故事本身的忽视以致于无法投入其中。

        《比利·林恩的中场战事》讲述了19岁少年的比利·林在加入美国步兵部队后被派往伊拉克战场,05年和战友们在一次与当地反动武装的交火中大难不死,逃过一劫。机缘巧合下他成为了国家英雄,被邀请在感恩节的全美橄榄球比赛(美国“春晚”)的 中场休息时亮相。但此时比利的内心却充满了抑郁与挣扎,战争的场景更是成为了他心中挥之不去的伤痛。通过剧情简介我们可以看出,影片关注的是具有“PTSD”即“创伤后应激障碍”的一群人。在片中,以比利的视角,关注这个经过战争创伤后回到家乡的军人,心理上的害怕、恐惧、敏感……以及他如何去适应这个社会,做出抉择,寻找自己内心的成长之旅。因此,这不仅仅是个需要有场面震撼力的电影,它更需要的是观众对于故事本身的情感投入,不仅仅是身体上的“入戏”,更是心理上的入戏。


        这是一次对观众观影习惯的挑战。


        在超高的帧率和像素面前,以往观众与电影之间的距离感被打破,观众仿佛不再是一个旁观者,而成为了一个局内人。这种身份的转变或许还需要我们花点时间来适应。

        就像1895年当世界上第一部电影《火车进站》在巴黎放映时,观众错以为火车真的会撞过来而纷纷逃走一样,我们对这部电影多多少少的“不适”,或许也是一种我们对新的观影方式初次接触的正常反应。


        但是,我认为,电影,就像绘画,建筑等其他艺术一样,它的美很大一部分来自于它与观众之间的距离感,只有营造一种距离感,观众才会更加投入其中,透过电影语言去深入思考、感受导演所试图表达出的主题思想,结合自身的经历体验得出自己的感悟。就像是我们赏画一样,一定的距离能让我们更好的去观察、思考。电影是在“造梦”,这种如梦似幻的感觉或许才是我们如此喜爱电影的原因之一。


        即使在CG技术如此发达的今天,为什么依然有那么多的导演愿意用手绘等传统的电影技术?因为运用这些新技术的影像固然准确,固然真实,它们却把握不好两个字:呼吸。许多电影中,摄影师即使在拍一个固定镜头时也不会将机器放在一个稳定的架子上,因为这样呈现出来的影像是有呼吸的。这就如同听音乐用CD听和到现场感受的区别一样,为什么我们不听那个已经录制完成、每个音符都准确完美的CD,而跑去听演唱会、音乐会呢?因为我们在乎的就是那一点点的呼吸。摄影机所造成的微微晃动的影像就是能让我们感到真实自然、投入其中;吉他手拍子不一定准的solo和歌手嘶哑着喉咙唱出音准不一定完美的歌曲就是能让我们血脉喷张、激动亢奋。他们的作品中有了呼吸,而这就是能够带给我们震撼的原因之一。

尽管“电影是否需要太‘真实’”这个问题仍然存在着很大争议,但不可否认的是,新技术的运用的确给我们观影带来了一个新的视界,让我们体验到了全新的感受。就像李安自己说的:“你被那个世界整个吞噬了”。技术的革新带领我们进入了一个新的世界,不管我们接不接受,这种尝试都值得被肯定,因为它是在推动电影工业进化的过程中所迈出的勇敢一步。同时,我也不认为,传统电影的制作模式会因为新技术的到来而灭亡,因为电影永远也不可能和真正的真实划上等号,我们要看的是对艺术的再创造,一个新的梦境,而不是赤裸裸的、如同纪录片,真人秀一样的真实。




饭团观影 

文字: 陈沐尔

编辑: 马子妍

校对: 刘镒

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